經濟觀察報 記者 呂英博 去年，紐約大都會博物館的服裝研究所為保羅·布瓦雷(PaulPoire）t、喬治·阿瑪尼（GiorgioArmani）等數位現代服裝設計師舉辦了個展，這種把商業味道濃厚的現代時裝請進頂級博物館的做法引發了一場不小的爭論?！安┪镳^界的人認為時裝不屬于藝術，認為不值得在藝術博物館中舉辦服裝展，”紐約時裝學院的博物館 （FashionInstituteofTech－nology）館長瓦拉里·斯蒂爾說，“時裝被人們看做是資本主義與女性虛榮心結合生下的一個私生子、一種非功用性的裝飾品，一種對無效的浪費做出了集中體現的形式?！?

不過，這之前的幾十年里，大英博物館、盧浮宮、紐約大都會這些頂級博物館針對中國古代宮廷服飾和法國巴洛克貴族服飾所做的展覽從未招來這樣的非議?？磥?，這場爭論的關鍵點并非是要對“時裝是不是藝術”下個結論，而是站在了文化和經濟的層面來說事兒了。然而面對藝術界源源不斷的責難聲，各大博物館擁抱時裝的熱情卻是有增無減：去年，費城藝術博物館的一棟新館落成后，服裝及紡織品在其中的展覽占地面積就翻了3倍了；波士頓優秀藝術博物館則將其在 “特殊展覽館”舉行的年度展覽的主題留給了巴黎的時裝…

這次，輪到服裝界對博物館的展出形式提出疑問了。服裝可以說是特殊的雕塑，而質料的觸感對于這件藝術品相當重要，完全不亞于衣服的顏色或式樣——然而燈光以及手指觸碰又會有損于衣物本身，所以服裝展的第一守則就是：請勿觸碰。

以大都會博物館中服裝學院的固定時裝展覽館為例，服裝在沿著墻的光線黯淡的玻璃柜中展示。參觀者們只能從一個角度看這些展品。然而服裝就像雕塑一樣，是三維的藝術。一件正面保守低調的晚禮服很可能背面非常驚艷。但如果你只能看到一個面，你就無法欣賞到這兩者之間奇妙的關系。因此，大部分由博物館舉行的服裝展更像一個擁擠的櫥窗秀，而不是一場藝術展。

為了維護自己對藝術水準的判斷權威地位，博物館對于時尚采取的態度一向是 “為藝術而藝術”，其結果多半是將時尚在社會、文化中扮演的角色忽略掉了?！皶r尚是文化史的一部分，忽略了這一點時尚作為研究對象的意義就大打折扣了。為了服裝專業的學生，紐約時裝學院的兩個展廳常年舉辦各種展覽。比如那場關于'時尚中的顏色'的展覽。我想除了時尚類的展覽，沒有哪個商業史或化學史會解釋苯胺燃料的出現對于1860年出現的紫黑色條紋衫的強大推動力”斯蒂爾說，“好的服裝，就像好的藝術一樣，不是僅僅給鑒賞家們之類的內行人提供評頭論足的資料，也讓所有非專業的觀賞者感到愉悅。較之于其他藝術門類，大眾對服裝的熟悉程度使得服裝展易于接受，但也正是這樣的熟悉使得服裝展必須放大日常服裝與博物館展覽服裝之間的區別。對于服裝展覽的策展人來說，掌握好服裝展的審美、歷史、愉悅與意義各元素之間的平衡是個很大的挑戰而只有專門為服裝服務的博物館才能做到全情投入地傳達服裝的故事，服裝的呼喚，服裝的感受。所以，服裝博物館的存在很有必要?！?